笔趣阁

第105章（第1页）

“汉代服饰的特点是‘续衽钩边，被体深邃’。”小杉正在给一组观众讲解，她已经完全进入角色，声音清晰而自信，“大家看这件曲裾深衣，它的襟边绕过身体，形成优雅的曲线，体现汉代女性端庄含蓄的审美。而‘立春’象征新生与开端，正如汉代是中华服饰体系形成的重要时期。”

孟予安在不远处听着，满意地点头。小杉的讲解不仅准确，还融入了她作为表演系学生的感染力。

雨水·魏晋·清雅

第二个展区是魏晋时期，对应雨水节气。这个展区的设计更加空灵，使用了大量的纱幔和水墨元素，营造“烟雨江南”的意境。魏晋服饰的“褒衣博带”风格在这里得到了充分展示，那些宽大的袖摆、飘逸的衣带，仿佛随时会随风起舞。

“魏晋时期玄学盛行，士人追求精神自由，这种追求也体现在服饰上。”讲解员是历史系的学生陈默，他今天穿了一件改良的魏晋风长衫，“‘雨水’节气，春雨润物细无声，正如魏晋文化对后世潜移默化的影响。”

卢帆柚注意到，这个展区吸引了不少年轻男性观众。他们认真地看着展品，讨论着服饰背后的哲学思想。这让她欣慰——男性对女性历史和文化的关注，正是她们希望看到的。

惊蛰·唐代·绽放

第三个展区是整个展览的第一个高潮：唐代，对应惊蛰节气。展区设计富丽堂皇，使用了大量的金色、红色、宝蓝色，背景是敦煌壁画风格的墙绘。唐代服饰的多样性在这里得到了淋漓尽致的展现：从宫廷命妇的钿钗礼衣，到平民女子的襦裙半臂，从汉式深衣到胡服骑装

最引人注目的是中央的一个全息投影装置：一个唐代女子从着装入镜，服饰层层变化，从日常襦裙到舞姬霓裳，从女官朝服到新婚嫁衣，配合着古琴和琵琶的音乐，美得令人窒息。

“这是阿雪的创意。”周慕清走到卢帆柚身边，低声说，“她熬了好几个通宵，才做出这个效果。”

“太棒了。”卢帆柚眼睛湿润，“这就是我们想表达的——女性服饰不是僵化的规范，而是流动的表达，是生命力的绽放。”

“‘惊蛰’意味着春雷惊醒万物，生命开始活跃。”讲解员张悦——艺术史研究生——正在讲解，“唐代女性服饰的开放与多元，正体现了这种生命的活力。女着男装、胡汉交融、坦领露胸这些在今天看来都很大胆的着装方式，在唐代并不罕见。”

观众们围在全息投影前，发出阵阵惊叹。不少女性观众眼中闪着光，仿佛看到了某种自由的共鸣。

春分·宋代·平衡

走过唐代的绚烂，第四个展区是宋代的清雅，对应春分节气。展区设计借鉴了宋画中的园林意境，假山、修竹、圆窗、月洞门，色调以青、白、米、褐等中性色为主。宋代服饰的简约与精致在这里得到了完美呈现：褙子的简洁线条，百褶裙的细腻褶皱，披帛的飘逸灵动

“宋代审美追求‘雅’与‘韵’，服饰注重面料、剪裁和细节，而非繁复装饰。”讲解员是中文系的李思雨，她今天穿了一件淡青色的褙子，“‘春分’昼夜平分，象征平衡与和谐，正如宋代女性在礼教约束与社会参与之间寻找的平衡点。”

展区一角设有一个互动区：观众可以试穿不同样式的褙子，在仿宋式书房背景前拍照。已经有不少人在排队，其中不乏男性观众。

“我想试试那件月白色的！”一个年轻女孩兴奋地对同伴说。

“我要那件淡紫色的，配我的头发颜色。”

卢帆柚看着这一幕，心中涌起暖流。这就是她们办展的初衷之一：让传统文化“活”起来，让现代人能够触摸、体验、感受。

清明·明代·传承

第五个展区是明代，对应清明节气。这是整个展览的核心展区之一，也是“红妆计划”的起源。展区设计庄重大气，使用了大量的木质元素和织金布料，背景是明代古画《汉宫春晓图》的放大局部。

橱窗里，那两套她们亲自参与设计的婚服——青色的鸾凤和鸣与红色的云凤呈祥——在聚光灯下熠熠生辉。旁边是详细的制作过程展示：从设计草图到面料选择，从刺绣纹样到裁剪缝制，每一个步骤都有记录。

“这两套婚服是本次展览的‘镇展之宝’。”周慕清亲自在这个展区讲解，她的声音温婉而富有感染力，“它们的特别之处不仅在于精美的工艺，更在于设计理念：将历史研究与现代创意结合，将个人故事与集体记忆连接。”

她讲述了卢帆柚和孟予安的故事——从童年偶遇到成年重逢，从重庆到成都，从历史老师与甜品师的结合，到共同发起“红妆计划”的历程。

“这不是一个普通的策展故事。”周慕清看着围观的观众，“这是一个关于女性联结、文化传承、爱与创造的故事。正如‘清明’节气，既是祭奠过去，也是迎接新生；既是记忆的传承，也是创新的开始。”

不少观众被这个故事打动，尤其是那些知道卢帆柚和孟予安关系的人——工作室的常客、c大的学生、朋友圈里的朋友他们在这个展区停留得特别久，仔细看每一件展品，读每一段文字。

谷雨·少数民族·多元

从明代展区穿过一道月亮门，进入的是一个完全不同的空间：少数民族服饰展区，对应谷雨节气。展区设计自然质朴，使用了大量的竹木、土布、植物元素，背景是各民族的图腾纹样和自然景观摄影。